O realizador de Videoclips - Patrick Daughters

Este jovem realizador Americano de 31 anos é o próximo nome à gravar - na memória, disco rígido, ipod ou DVD.

O videoclip que mais viajou este ano entre emails e declarações de amor youtube, terá sido «1234» de Feist. A presença da cantora e as imagens simples deram vida ao mundo dos videoclips, desfeito pela crise que abalou a indústria discográfica.

As alternativas de visionamento propostas pela internet, provocaram investimentos reduzidos por parte das editoras, forçaram uma aposta na simplicidade de ideias. Os videoclips são agora vistos com definições minúsculas em ecrãs de computador ou pequenos ipod.

O universo do videoclip tinha elegido há já alguns anos protagonistas de uma geração, realizadores que tinham uma assinatura especial, eram poucos.

Michel Gondry e o estilo artesanal, Chris Cunningham e as criaturas inventadas, Mark Romanek nas visões futuristas, Spike Jonze e a originalidade cómica, Stéphane Sednaoui e as imagens de gelo, Anton Corbijn no preto e branco perfeito e Jean-Baptiste Mondino em outsider reinventado. Todos tiveram direito (à excepção de Mondino) a uma compilação DVD que celebrava na íntegra carreiras em evolução, dando destaque a um género de ficção apreciado mas pouco reconhecido.

O clip de Feist é genial no conceito, um único “take” capaz de captar graça e euforia, uma cantora e dezenas de bailarinos numa coreografia espalha-alegria, música é embalada pela força lírica das imagens.

Feito como uma homenagem ao trabalho do realizador de comédias musicais Busby Berkeley, não se fica indiferente à simplicidade - o armazém sem cenário de «1234» está repleto de emoção, “ao fim do dia sentíamos todos que tínhamos sido testemunhas de algo especial” explicava Patrick Daughters na conferência do LA Film Festival.

Daughters estudou realização e psicologia na NYU em Nova Iorque e entrou neste mundo a pedido de um antigo colega de escola, membro dos Yeah Yeah Yeahs - «Date With The Night» foi o primeiro vídeo que realizou. Na colagem de imagens de bastidores e performances ao vivo, o ritmo é conseguido nos cortes, na maneira como são montados.

 No mesmo ano, realizou ainda «Maps» também para os Yeah Yeah Yeahs, o universo de Patrick Daughters começava a desenhar-se, um misto de realidade que se dissipa em sonhos de música, parecem contos, que depois voltam a ser realidade.

Esquecem-se os efeitos que impressionam, Daughters é fascinado pela imagem, mas gosta de lhe dar um sabor banal. Apoia-se muitas vezes na emoção dos intérpretes que atravessam os longos takes sem cortes que cria, guarda os momentos comovidos. O passeio de Beck em «Náusea», numa avenida que lhe foge, a corrida e exaustão de Feist num tapete de aeroporto («My Moon, My Man»), os reflexos espelhados da casa-corredor dos Interpol, a emoção que lhes transparece no rosto, desarma-nos enquanto espectador.

Inventar brilho sem esquecer a realidade, é o toque mágico de Daughters, por isso guarda momentos de som directo do que se passa no “plateau”, misturando imagens perfeitas com vozes e ruídos que se sobrepõem ao playback da canção.

Quando lhe são dados meios mais ambiciosos, no caso de «Phantom Limb» dos The Shins, ele explora-os de forma naif - é com crianças que conta os horrores feitos ao longo da história, a inquisição e as batalhas da idade média num jogo infantil. Patrick Daughters parece querer sempre lembrar, tudo não passa de um jogo. O melhor exemplo é o último clip que fez para os Yeah Yeah Yeahs - «Turn Into», Karen O. brinca com um espelho de bolso, e é ele –o espelho- o responsável por todos os delírios luminosos que acontecem no quarto vazio onde canta. Patrick pertence a um núcleo de realizadores, The Directors Bureau, que protege talentos como Sofia e Roman Coppola, Shynola e Melodie Mc Daniel. Seguindo os passos de Spike Jonze (Being John Malkovich), Michel Gondry (Eternal Sunshine of The Spotless Mind) e Mike Mills (The Thumbsucker), também ele se prepara para atacar a ficção no formato longa metragem.

Um buraco na parede pode ser uma porta para um mundo novo, no universo de Daughters, o vazio que se sentiu na indústria discográfica, ajudou-o a afirmar-se.

A tecnologia está cada vez mais desenvolvida no que trata a música, mas a vontade de a comprimir, de a levar para todo o lado, faz com que se esqueçam detalhes. Patrick Daughters brinca com isso, a declaração feita com vídeo de Feist tem efeitos ópticos elaborados e retoques computorizados. Aquilo que parece ser o videoclip mais simples do ano, tem tudo de um conto de fadas. No mundo dele as coisas começam assim, a apontar ideias num caderno...

 

Tiago Manaia

 Texto publicado na fanzine do lux- Blah, Blah, Blah. Dezembro 2007

 

Entrevista nocturna - Ludivine Sagnier

Ludivine pode ser vista actualmente nos cinemas no filme de Claude Chabrol, " A rapariga cortada em dois ". Deixo aqui uma entrevista que lhe fiz para a fanzine do Lux.


“Hello Four Seasons!”... “Hello!
Can you put me through room number 2811”...“yes, what’s the name of the guest?”...

“Ludivine Sagnier”

O amigo que me apresentou a Ludivine avisou-me, uma energia fora de série, um fôlego de cortar a respiração. Foi há nove anos atrás e foi imediato, ficámos amigos. À descrição do meu amigo junto - olhos
que brilham, uma cara de menina e um discurso adulto. A Ludivine não
tinha medo de nada, era a força dela.
Quando me preparava para escrever este texto juntei todas as recordações dos nossos encontros, os nossos percursos. Percebi que tínhamos passado muito tempo, muitas noites acordados a falar, à deriva numa cidade que era nossa, igual aos nossos ideais.
Sim, éramos miúdos, idealizávamos o mundo.

Lembro-me bem da noite em que invadimos um bar de hotel para cantar músicas do Gainsbourg.

A Ludivine tornou-se uma actriz gigante (na altura já era grande), uma actriz visível. Apanhada por Hollywood, fez um «Peter Pan», o «Swiming Pool» e era a actriz que brilhava mais nas «8 Mulheres» de François Ozon. Nunca perdeu a boa disposição, ria-se quando me dizia que ia ser capa de algumas revistas e falávamos de cinema, sempre de cinema. O tempo passou, a Ludivine foi mãe e agora, tem 28 anos, um filme com Claude Chabrol, outro com Claude Miller e as «As Canções de Amor» de Christophe Honoré. Todos no mesmo ano.Comecei a tentar ligar-lhe para fazer esta entrevista, no telemóvel dela ouvi vozes italianas, no dia seguinte consegui o gravador, fui deixando mensagens. Passado uma semana acordei a minha amiga com quem já não falava há algum tempo, estava no Canadá, jet lag e alegria, mesmo ao acordar. Marcámos uma conversa para o dia seguinte, tentámos respeitar o fuso horário, o tempo universal.Eu queria falar de noites, pedir-lhe recordações,queria a Ludivine Sagnier... Aqui fica uma parte da conversa.

Conta-me as tuas primeiras saídas, os teus primeiros delírios nocturnos?

Devia ter 13 ou 14 anos e ia com um grupo de amigos a Paris ver o «The Rocky Horror Picture Show», vestíamos meias de renda, fazíamos “looks” como as personagens do filme.
Paris para nós era longe, eu vivia nos arredores. Depois ficávamos a noite toda com o filme, aquela carga erótica ficava connosco, o filme tinha uma carga erótica muito forte, ficávamos bêbados disso... Éramos crianças, aquilo batia-nos com muita força. Na altura também começámos a beber álcool, bebíamos copos à beira do rio Sena, cantávamos e ficávamos a fazer as coreografias do filme.

Mas eras tão novinha...

(gargalhada) Sim, era um bebé... mas sabes as minhas experiências são todas assim, tenho poucas memórias de clubbing, eu tinha ar de menina, a primeira vez que fui aceite numa discoteca tinha 25 anos(risos).

Eu lembro-me, tu gostavas de sítios perigosos, uma vez roubaram-te o
telemóvel...

Sim, mas já me roubaram o telemóvel tantas vezes...

Tinha sido num concerto...

ah! (risos), sim, eu depois tive uma fase em que gostava de ir a concertos rap (risos), ia para os arredores mais longínquos de Paris... era tão nova.

Eu já te conhecia nessa altura, lembro-me dos teus ténis com graffiti, tenho fotografias...

É incrível que fales disso... Estive a olhar para eles antes de vir para Toronto, estava a olhar para os meus sapatos e pensei – estes ténis são mesmo feios. Saber que agora valem uma fortuna na Colette (risos)! Eu tive ténis com graffitis antes de toda a gente e na altura as pessoas gozavam comigo... Mas sabes, as memórias de noites que mais me marcaram foram noites a vaguear. Noites a cantar na rua com 20 anos, corríamos nos cais de Paris, gritávamos. São estas as minhas lembranças de juventude em Paris.

E no filme do Christophe Honoré, como foi a noite em que filmaste a
morte da tua personagem, da Julie?

Nessa noite eu estava num estado secundário, representar a tua própria morte não é coisa simples, os bombeiros que estavam connosco não eram figurantes. Foi uma sequência gigante, comprida, estava deitada no chão, estava imenso frio. Olhos fechados, não me mexia de tão concentrada, estava em estado de hibernação. Depois ouves os bombeiros que chegam e te dizem exactamente o que diriam a uma pessoa que está a ser reanimada. Acreditas! Acreditas no que está a
acontecer, é aí... é deste sentimento que eu gosto. Quando se está a fazer cinema, existe esta confusão entre a realidade e a ficção. Por isso faço este trabalho. São instantes, nunca é o tempo de um filme, são pequenos momentos, um “take” e deixas de saber quem és. Não é perder a cabeça, não é isso, por exemplo, nas cenas de amor acontece imenso - pensas que te apaixonas e depois corta-se e percebes, volta tudo ao normal! Mas a morte... de repente eu própria tinha medo de morrer. Os bombeiros diziam “perdemos o pulso”. Fui atravessada por muitos sentimentos nessa noite (silêncio).

E as canções, as cenas em que cantas?

Foi como estar numa colónia de férias, as cenas a três no filme foram irreais. A cidade estava deserta, e não por causa do nosso serviço de segurança, nada disso... Não tínhamos meios para essas coisas, as ruas estavam vazias. Tínhamos headphones para fazer o playback das cenas musicais, não podíamos pôr música a tocar na rua a meio da noite. Cantámos os três sozinhos na rua, foram noites de liberdade, era a alegria de estar criar algo!

O que pensas das actrizes que cantam?

Isso enerva muito as pessoas em França... O prazer de cantar está tão ligado ao prazer de representar, são interpretações. A música a
mim faz-me um certo efeito... é uma extensão do talento. Para mim é
lógico um actor que canta.

Gostavas de gravar um disco?

Vou cantar no álbum do Alex Beaupain (o compositor da banda sonora de «As Canções de Amor»). Sim, tenho vontade.

Conta-me noites em festivais de cinema...

(Ludivine suspira, como que cansada. No momento em que falamos está no Festival de Toronto a fazer promoção para dois filmes).

Como foram as noites de Cannes em 2003, tinhas dois filmes em
competição, na selecção oficial («Swimming Pool» de François Ozon e «La Petite Lili» de Claude Miller)?

Nessas noites estava tão bem acompanhada (risos).

E Veneza, noites em Veneza?

Acabei de chegar, estive lá no festival de cinema, a semana passada!
Veneza... Lembro-me, ia a um jantar, estava sozinha num vaporetto, tinha um vestido de noite lindo e um vaporetto só para mim! Ia do Lido para um palácio no centro de Veneza. Sozinha com as luzes da cidade e as ondas. Era demasiado romantismo para uma pessoa só. Passei em revista todos os homens da minha vida e... Projectei-os todos naquele vaporetto (risos).

E Los Angeles?

Tenho uma recordação dos Golden Globes. As pessoas estavam todas bêbadas, aquelas pessoas, aqueles actores, num hotel que parecia congelado desde os anos 50, uma coisa saloia, antiquada. E eu pensava... não posso telefonar a ninguém, não posso contar isto a
ninguém! Chegas à conclusão que se está muito bem em Paris!!!

A pressão de um filme ainda te tira o sono?

Sim. Algumas filmagens impedem-me de dormir, perco o sono depois de ter gravado uma cena importante, fico a viver a cena na cabeça, penso em como poderia ter feito as coisas de outra maneira. São os nervos. Mesmo com o tempo, com a prática, continuo a ficar nervosa...

A nossa conversa chega a algumas conclusões, as
noites são mais loucas em Londres, mas ninguém nos tira Paris. A Ludivine fala-me dos projectos que se seguem, está a filmar a história do bandido Jacques Mesrine ao lado de Vincent Cassel. Custa-lhe acreditar na maneira como as coisas se desencadearam, não é falsa modéstia, é aquela voz de menina entusiasmada com a vida.
Ouve-se um telefone tocar, vai enfrentar jornalistas o resto do dia no Canadá. Digo-lhe adeus, penso no final da adolescência e no
nosso amigo comum. Com a música da Jeanne Moreau na cabeça...

“On s'est connus/ On s'est reconnus/ On s'est perdus de vue/ On s'est r'perdus d'vue/ On s'est retrouvés/ On s'est réchauffés/ Puis on s'est séparés/ Chacun pour soi est reparti/ dans l'tourbillon de la vie/ Je l'ai revue un soir/ hàie, hàie, hàie/ Ça fait déjà un
fameux bail” («Le Tourbillon de la Vie»). Sim, foi mais ou menos assim.

-
Tiago Manaia 

Foto: Jacques Le Corre

Fanzine Blah, blah, blha - Luxfrágil. Outubro 2007

Ryan McGinley - Juventude em Marcha

Romantismo, hedonismo, erotismo... As fotografias dizem o resto.

“I know where the summer goes” é titulo de uma música do grupo Belle and Sebastian. E foi com ela que Ryan McGinley baptizou as imagens que fotografou durante o verão de 2007.
Atravessou os Estados Unidos com 16 modelos e 3 assistentes: desenhou caminhos, reservou hotéis, descobriu paisagens.
Decidia antes de adormecer quais seriam os sentimentos que dariam ritmo à equipa fotografada e no dia seguinte juntava-lhes efeitos especiais - fogo de artificio, máquinas capazes de fabricar nevoeiro. Esse verão foi feito de corridas... Por estradas e bosques... Ryan e os seus modelos passaram meses juntos a tentar criar uma vida imaginária, confrontando corpos nus com a natureza. Foi assim que nasceu a exposição que inaugura em Nova Iorque no próximo dia 2 de Abril, na Team Gallery. Tirou 4000 mil rolos de fotografia, escolheu 50 imagens.

Ryan McGinley nasceu em 1977 em New Jersey, durante a adolescência foi viver para Manhattan, onde estudou design gráfico. A meio do curso decidiu mudar de especialidade, enveredando pela fotografia. Tinha lembranças de uma biblioteca no liceu, onde costumava ver livros do National Geographic, adorava fotografias de tribos africanas, foram elas que inspiraram a vocação que viria a descobrir anos mais tarde. Durante o curso de fotografia começou a coleccionar imagens de amigos, artistas como Dan Colen e Dash Snow. Nas ruas de East Village, andava de skate e máquina fotográfica na mão, os outros desenhavam graffiti nas paredes, mergulhavam na praia, faziam amor para a objectiva dele. A estética de McGinley segue a mesma linha de dois grandes nomes da fotografia Americana, dois fotógrafos conhecidos pelo fundo real dos momentos que fotografam - Larry Clark e Nan Goldin. Mas o universo de McGinley não é sustentado por sentimentos tão tristes, o quotidiano aparece de maneira mais poética, existe uma luz de esperança pouco vista no trabalho dos seus antecessores. Assumiu a visão de um mundo que não acaba destruído por drogas e álcool, a leveza de uma geração que experimenta a vida sem limites. Em 1999, mandou para uma centena de artistas e editores de revistas um livro - “The Kids Are Alright”. Seria de imediato convidado a colaborar com a revista Índex, seguindo-se a Fanzine gay Butt, as revistas Vice, I-D e Dazed & Confused. O entusiasmo gerado pelo trabalho de McGinley não parou de crescer: em 2003 era o artista mais novo de sempre com direito a uma exposição individual no Whitney Museum of Art, tinha 26 anos. Os modelos que escolhe são sempre amigos ou amigos de amigos e têm de ser artistas, personalidades criativas. Gosta de fotografar miúdos que decidiram ir viver para a cidade, gosta da energia que essa decisão implica, principalmente quando se trata de pessoas que se mudaram para Nova Iorque - é uma cidade para bravos. Os corpos são depois tirados do elemento onde se habituaram a viver, despe-os num fascínio que o persegue. Sempre gostou da nudez, sempre foi algo que atraiu a sua atenção, independentemente do contexto em que ela se apresenta (pode ser uma mulher que dá a luz ou um casal em acção num filme pornográfico). Na adolescência vibrava com as músicas do cantor Morrissey. Com 16 anos ficava sentado dias seguidos sem perceber de onde vinha a magia da voz longínqua que lhe mexia com os sentimentos. Nas letras abordava questões que eram tão pessoais, Morrissey parecia ler os pensamentos de Mcginley adolescente. O ano passado expôs fotografias que tirou durante concertos do cantor, seguiu-o numa tourneé mundial. Ainda antes de ter autorização para o fotografar, McGinley escondia máquinas fotográficas nas meias, precipitava-se na multidão para fotografar o desespero de fans. Gritos, lágrimas e encores ficaram guardados. O trabalho de McGinley é completamente instintivo, por isso tão real. Imagens que retratam de forma perfeita a geração que dizem estar perdida, sem valores. Nelas, miúdos como ele sonham, conscientes, sabem que sonhar é uma forma de liberdade. A música de que mais gosta é “There’s a Place in Hell for me and My Friends”*, Morrissey diz que se alguma vez quiser só chorar... Vai chorar... sabe que o pode fazer, se quiser.
Tiago Manaia
Fanzine Blah, blah, blah- Luxfrágil Abril 2008

Acreditar na Ana Moreira

Acreditar que na vida existem momentos irreais que surgem de pequenas equações e combinações exactas, deveria ser um mal comum. Acreditar que os acontecimentos quotidianos somados uns aos outros podem

tornar a realidade mais poética e misteriosa, é uma utopia, mas é bom acreditar.

Quando se tem um encontro com uma actriz pela qual sentimos algum fascínio, não esperamos que ela chegue antes da hora prevista e fique à nossa espera a ler um livro. Quando isto acontece, a equação começa a desenhar-se num sentido favorável à poesia.

Durante a nossa conversa gravo as palavras de Ana Moreira e mais tarde constato que as suas frases têm efeitos sonoros, vêm acompanhadas de suspiros. O fôlego da sua respiração altera-se quando é obrigada a perder algum pudor nas histórias que conta. Falar do ego, explicar o trabalho e ser social não lhe é particularmente fácil, mas sabe fazê-lo.

O pudor que caracteriza Ana no dia-a-dia é assumido nas mãos que tremem quando apaga um cigarro, nos suspiros que rematam os seus finais de frase e no silêncio que por ali fica quando pára de falar. O irreal surge quando nos perdemos no seu olhar e acreditamos que o barulho dos copos que se partem nas mesas à nossa volta deixa de existir, que os aviões passam a aterrar em silêncio em Lisboa e o i-pod (que grava a nossa conversa) deixa de funcionar por causa da sua intensidade. Acreditar nestas coincidências é deixar que a memória se encha de personagens inesquecíveis.

Poucas são as vezes que se ouve uma actriz falar de timidez, Ana diz ser tímida pelo bem, não pelo mal. Atribuem-lhe uma certa distância, é ela certamente que deixa a imaginação dos outros livre e facilita a projecção de personagens no seu corpo.

Ana Moreira nasceu em 1980 e cresceu em Lisboa por trás dos cinemas King, “naqueles jardins”. Durante a adolescência gostava de um género de cinema muito particular, que a deixava acordada noites seguidas - os filmes de terror. Descobriu assim o “Pesadelo em Elm Street”, o seu primeiro filme de terror urbano. No meio de blockbusters americanos, conseguiu encontrar dois filmes especiais, “Suspiria” de Dário Argento e “A Companhia dos Lobos” de Neil Jordan. “Para além do terror, do pânico, o cinema de Argento tinha ideias, pensamentos, maneiras de filmar, tratava cinema. Assim como o filme de Neil Jordan, este abordava o conto do capuchinho vermelho, mas de outra maneira. Nessa altura cheguei à conclusão de que me tinham estado a enganar durante muito tempo, afinal de quem eu gostava mesmo era do lobo”, assim explica aquilo que diz ter sido o grau básico dos seus sentimentos adolescentes.

Ana sentia-se atraída pelas artes, e decide estudar design gráfico, já que não era especialmente dotada para a fotografia ou para a pintura. Nas ilustrações de Aubrey Beardsley conheceu a personagem de Oscar Wilde, “Salomé”, ainda hoje sente por ela um enorme fascínio. Porque ela desafia as convenções que os homens fazem das mulheres, leva-as ao limite do aceitável. Na mesma altura fez um casting para uma curta-metragem - acompanhada de um sentimento de estranheza, de uma enorme curiosidade e de um prazer secreto - acabou por ser escolhida. A cassete desse casting foi parar às mãos de Teresa Villaverde com quem faria, em 1998, uma primeira longa-metragem, “Os Mutantes”. Interpreta uma jovem marginalizada pela sociedade, “uma sociedade que insiste em manter os olhos fechados”, vinca. “Perguntam-me muitas vezes se não foi difícil fazer de delinquente juvenil, toxicodependente... mas eu nunca fiz personagens assim”. Ana preocupa-se, acha estranha a perspectiva que algumas pessoas têm do cinema.

Recorda com nostalgia essas primeiras filmagens, numa época em que as equipas de trabalho em Portugal eram diferentes, “tinham charme, disponibilidade, consciência do trabalho de cada um”, ao mesmo tempo pensava que não se podia deslumbrar. Gostava muito daquilo, daquele mundo, gostava mais do cinema do que do design gráfico, mas queria avançar com cuidado.

Nesse primeiro filme é espantoso ver como Ana aborda as cenas dramáticas, representar para ela é prazer, gosta de se aventurar, mergulhar de cabeça, mesmo quando as situações podem ser propícias a um vampirismo de sentimentos. Enquanto actriz tenta fazer exactamente o que lhe pedem, corresponder o mais possível a visão da personagem que o realizador imaginou.

Seguiram-se outros filmes e aquela liberdade que sentira nos momentos da primeira rodagem com Teresa Villaverde tornou-se um ofício. Foi protagonista de várias longas-metragens, mas manteve-se à margem, o seu percurso pouco a levou à televisão, afastando-a da celebridade imediata. É normal que o seu trabalho seja ainda desconhecido do grande público, ela escolheu um caminho diferente, talvez mais complicado. Mas tem alguns admiradores, que a abordam sempre de maneira fugaz, surgem em locais inesperados -no supermercado ou no metro – são rápidos, deixam-na perplexa, ela gostava que eles ficassem mais tempo.

“Ser Actor é uma profissão vulnerável, é tão fácil criticar os actores. Como é uma profissão que mexe com o ego e a vaidade as pessoas parece que andam sempre à procura de sinais... Se lhes deres esse sinal, atiram-se logo a ti”. Talvez Ana se refira aos que pouco respeitam o estado de graça que é preciso ter para inventar mundos paralelos na ficção. Na cultura em Portugal, só na recta final das carreiras surge um reconhecimento geral, demasiado comprometido, e que acentua uma ideia de sacrifício e humildade estranha. Mas esta geração que não fez a revolução, anda provavelmente a tentar inspirar novos caminhos.

Em 2006 voltou a encontrar-se com Teresa Villaverde, em “Transe”, filme sobre tráfico humano, sobre pessoas a quem as vidas tinham sido roubadas para sempre. A personagem que interpretava deixava a terra natal à procura de uma oportunidade de trabalho, era levada mais tarde para uma rede de prostituição. Nesse ano o jornal francês Libération escrevia: “sem a actriz Ana Moreira, Teresa Villaverde nunca poderia ter atingido um tão grande efeito de verdade poética: ela anima a personagem de Sónia com uma palpitação terrível, tornando-a amargamente inesquecível”.

No trabalho Ana diz-se atenta aos sinais, tenta não ter demasiada consciência técnica quando está num plateau de cinema, “as vezes é melhor não saber” e utiliza a frase “dares-te a morte” para explicar o processo de criação que nasce a partir do que se passa à sua volta.

Jorge Cramez é dos poucos realizadores que a filma a sorrir, no “Capacete Dourado”(2007), a sua personagem agarra-se à vida por amor, atenuando assim uma adolescência difícil.

Quando pergunto a Ana se sente algum tipo de responsabilidade quando lhe pedem para falar do cinema português, afirma que sim, que sente julgamentos negativos, “temos um carácter muito especial no nosso cinema, não gosto dessa história de querermos fazer filmes como lá fora. Temos a sorte e o privilégio de ser assim. Porque não aproveitar a nossa identidade, em vez de tentarmos fazer como os outros.”

Em Novembro deste ano está prevista a estreia do filme de João Botelho “A Corte do Norte” adaptado de um romance de Agustina Bessa-Luís, onde faz cinco personagens. “Gosto deste conto, porque descreve uma mulher que quer seguir uma carreira, alguém que tem vontade de qualquer coisa, e consegue de uma maneira muito violenta e graciosa escapar àquilo que a época impõe”.

Acreditar nas escolhas da Ana é deixar que a realidade seja mais poética.

Tiago Manaia

Junho 2008 fanzine Blah, Blah, Blah- Lux Frágil. Fotos: Joana Linda